La obra de Camila Barreto se desarrolla en una práctica multidisciplinaria centrada en la pintura y la instalación. A través de un lenguaje abstracto, arquitectónico y profundamente autónomo, traduce la memoria, la experiencia vital, lo efímero y lo permanente en una plasticidad propia donde la construcción pictórica conecta el mundo interior con el espacio exterior, transformando la vivencia íntima en estructura, tensión y presencia.
Formalmente, aborda la abstracción desde el gran formato porque necesita involucrar el cuerpo entero en la ejecución de la obra: despliega los brazos sobre el lienzo en un acto de urgencia —como quien agita las manos pidiendo auxilio—, movida por el apremio de hacer visible y contundente un mensaje. Sin embargo,lejos del desborde expresionista, ese impulso físico se materializa en trazos arquitectónicos y líneas sumamente cuidadas y pulidas. Esa precisión nace de un sentimiento compartido en la experiencia de ser mujer: la exigencia constante de «no salirse de la línea» y mantener la cordura bajo el peso. En un mundo estructurado históricamente por y para los hombres, atravesado por profundas desigualdades de género, las mujeres resuelven y sostienen la cotidianidad porque sobre ellas recae principalmente el cuidado: esa infraestructura invisible sin la cual nada en el mundo funciona.
De esa contención vital surgen los cuatro ejes donde el trabajo artístico y la vida se entrelazan: el peso, el equilibrio, la presión y la resistencia. En la serie Máquinas Negentrópicas, toma la ménsula —el elemento arquitectónico diseñado para sostener el peso de vigas y estructuras— como metáfora de ese soporte femenino frente a la desigualdad sistémica. Entiende la vida y la creación como actos negentrópicos: sistemas abiertos que reorganizan constantemente su energía para contrarrestar el caos, evitar el colapso y transformar la parálisis en acción a través de múltiples puntos de fuga.
Esta indagación estructural se expande en la serie Self Portraits, donde se sitúa frente al horizonte como una verticalidad en posición de resistencia al plano. Más que autorretratos literales, estas obras son cartografías estructurales: para mantenerse erguida es necesario pararse sobre más de una idea, y cada idea es una línea —algunas rotas, interrumpidas o contradictorias, pero conectadas entre sí— que configura formas antropomorfas, cabezas-recipiente y cuerpos con extensiones que sostienen crías, pesos, dolores y heridas.Son el retrato estructural de una máquina negentrópica: máquina mujer, máquina madre y máquina artista.
Cada una de estas obras es un manifiesto espacial que invita a la contemplación, la reflexión y la presencia en el instante, apelando a lo universal sin dejar de reconocer la naturaleza individual de quien la contempla.En su práctica, la pintura no es una imagen: es aliento, pliegue, umbral, insistencia; un territorio donde la experiencia por fin encuentra la manera de convertirse en mundo.
